Friedrich Wilhem Murnau fue un director de cine alemán que fundó su propia productora en 1919. La época de sus producciones coincidieron que el asentamiento del movimiento artístico del expresionismo alemán, por lo que nos sirve de gran ayuda la visualización de sus obras para entender como afectó a otros campos, a parte de la pintura o la literatura.
Con la proyección de la película Nosferatu, obra cinematográfica más famosa de Murnau, se observa una clara influencia de ese expresionismo, pero que a la vez supone una evolución con el expresionismo más puro e inicial en otras obras del cine, como en el Gabinete del doctor Caligari, del director Robert Wiene.
Es una evolución respecto a esta última obra, ya que Murnau apuesta por decorados naturales para dar una mayor verosimilitud a la historia del famoso vampiro, mientras que en el mundo del doctor Caligari los decorados eran totalmente artificiales, y a la vez típicos del movimiento al que pertenece, con esas deformaciones dando sensación de falta de equilibrio, la gran cantidad de puntos de fuga y las numerosas aristas que lo formaban.
En cambio, lo que sí se mantiene entre ambas obras y que es objeto de caracterización del movimiento expresionista es ese halo de misterio y penumbra, que los artistas relacionados con este arte querían transmitir, pues es lo que ellos sentían como realidad exterior. Todo esto lo conseguían con la iluminación usada, toda llena de contrastes.
A continuación os dejo esta fantástica obra histórica:
Más tarde, siendo la última película que realizó antes de morir en un accidente automovilístico, Murnau dirigió la obra Tabú, perteneciente ya a su etapa americana, y por tanto más alejado de sus obras expresionistas como Nosferatu.
En esta historia el ángulo de visión busca colocarse en la de los indígenas, en vez de en la del hombre colonizador. Todo ello ocurre alrededor de un historia de amor imposible, marcada por el gran tabú que impide la relación entre los protagonistas, para acabar con uno de los finales más bonitos de la historia.
Ya que no tiene desperdicio, os dejo la película y os espero en el próximo post.
Esta semana me alegro de haber podido vivir una nueva experiencia, fuera de los típicos planes de viernes por la tarde, pues me animaron a visitar la exposición Risas en la oscuridad que María Cañas, más conocida como La Archivera de Sevilla, llevaba realizando desde el 18 de junio de este 2015 en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo.
Magnífica sorpresa, pues no estoy acostumbrado a este tipo de exposiciones de un arte tan contemporáneo como el que realiza María con su ''videomaquia'', pero ante el que sin embargo he tenido que arrodillarme al parecerme tan delirante que llegó a hipnotizarme hora y media.
Numerosos eran las ''vídeo-collages'' que se presentaban en varias salas como imágenes de nuestro día a día, ya asentadas por su valor social, pero a las cuales se le añadían esos toques de humor que llevaban a abrirte los ojos ante lo que realmente suponen en cuanto a su valor cultural. Con esto me refiero a que si los analizásemos, podríamos llegar a entender lo fácil que supone hoy en día crear esa sensación de impresión, que sorprenda sin mucho trasfondo, aunque eso suponga que sean baratijas de distracción fabricadas por el actual mundo audiovisual.
Buen ejemplo de esta actividad de búsqueda de iconos para batirlos entre ellos es, empezando por el final de la exposición, la proyección que se realizaba de una investigación experimental llamada Fuera de Serie, una obra de 35 minutos de 2012 producida por Animalario TV Producciones.
Consiste en la adopción de numerosas escenas televisivas conocidas por el gran público, tales como la famosa muerte de Chanquete en la serie de televisión Verano Azul, o incluso las escalofriantes tomas de películas sobre tsunamis que bien podrían tratarse de la producción hispano-americana Lo imposible.
A esas imágenes tan asentadas en nuestra cultura audiovisual, María Cañas le añade el resultado de esa licuadora de iconos, teniendo como resolución una irónica y, a la vez, subliminal escena de la población de Corea del Norte llorando la muerte de Chanquete, cuando realmente esas imágenes corresponden a la reacción de ese pueblo tras el fallecimiento de Kim Jong-il, que María aprovecha para criticar semejante comportamiento de una sociedad manipulada ante la muerte de un dictador.
Otro de mis ejemplos favoritos es el que María con gran destreza y tono burlesco usa al unir las imágenes de los tsunamis con la canción superventas de Rocío Jurado Como una ola. Nada más que añadir al ver el resultado de la fusión.
Así como también utiliza las imágenes de los tripulantes del crucero accidentado en 2012 Costa Concordia para parodiar la serie de televisión El crucero del amor.
A continuación os dejo esta producción para juzgarla con vuestros propios ojos.
Otra de las fases que uno se encuentra al asistir a esta exposición es la de los ''fotomontajes''. En esta sala se reúnen varias series de estas obras, entre ellas Rest in Peace, Los monstruos de la copla o Dioses y monstruos.
No tienen otra finalidad que el romper con las obras ya creadas y asentadas social y culturalmente, para crear otras nuevas que indiquen su desconformidad con el arte clásico y entendido como de calidad.
Todo esto no puede llevarme a pensar otra cosa que María, en esta serie, realiza obras al más puro arte Dadá, pues toma otras obras de arte para, al introducirle nuevos conceptos o visiones, cree una nueva obra de arte, pues no deja de ser arte aunque se haya usado algo ya creado anteriormente, al menos en la visión del espectador que tenga la misma visión artística que la artista, en este caso, María Cañas.
Llama la atención la serie creada mediante cajas de cigarrillos y otros enseres, a los cuales les añade imágenes y textos que le dan otro sentido a sus mensajes, tales como El amor mata en vez de Fumar mata. Así vemos de nuevo con un claro ejemplo el uso del arte dadaísta, pues convierte un mensaje ya formado en otro con un significado totalmente diferente, sin dejar de ser dos obras de artes consideradas como tales, tanto la anterior como el resultado de la transformación.
Os dejo una foto de esta serie a continuación.
Finalmente, dejando como telón de este análisis, encontramos la serie que comprendo como la más allegada para los jóvenes como yo. Se trata de un conjunto de imágenes y frases referidas a las redes sociales y la vida en Internet en general, donde se pueden analizar imágenes como el conocido icono de la red social Facebook: la mano en forma de aprobación para indicar el ''like'' o que te gusta algo.
Pero a esa imagen icónica se le da una vuelta, mostrándola ardiendo o vendada, queriendo transmitir el daño y el poder que una persona puede obtener actualmente por esa red social, al tenerla tan integrada en nuestras vidas.
Otro icono y logotipo de una de las empresas más ricas del mundo es el buscador online de Google, al cual se recurre siempre para la búsqueda de cualquier cosa en Internet, alzándolo de tal modo en la sociedad actual que se ve considerado como que contiene la verdad de todo. Y es esa idea la que plasma María Cañas con un juego de palabras y grafía de ese logotipo, transformándolo en la palabra ''God'', ''Dios'' en inglés. Así, la famosa frase ''es verdad porque lo he visto en Google'' cobra todo su sentido, a la vez que se le critica de una forma sutil y directa al mismo tiempo.
Para finalizar, os dejo con dos frases que abrieron y cerraron tanto este post como la exposición respectivamente, y es que no hay mayor verdad que ''Defender la carcajada organiza la rabia'', pues mediante la parodia e ironía de los símbolos creados por esta sociedad actual se consigue crear ese enfado en los altos cargos que manejan la vida de hoy, al no seguir la corriente que ellos crean.
Y como conclusión, entiendo que para poder contrarrestar ese rebaño de ovejas que la sociedad quiere conducir hacia un mismo fin, hay que dejar de vivir solo en los medios que esa corriente nos pone a nuestro alcance, y usar otros medios que nos permitan formarnos fuera de las fronteras que el rebaño nos pone para así, poder evitarlo: ''Menos Face y más Book''.
La nueva práctica relacionada con este mundo del arte contemporáneo que hemos realizado ha consistido en el análisis de un escrito del autor postimpresionista Paul Gauguin titulado Sobre el color.
Trata la principal característica de este movimiento que no es otra que la búsqueda de la plasmación en el lienzo la realidad más pura que estos artistas contemplan. Para ello es básico el uso de colores puros y en su mayoría primarios, como vemos en la obra que hemos analizado: El nacimiento de cristo, del mismo Gauguin.
Vemos esos colores intensos sobre todo en el amarillo de la cama o el color casi uniforme de sus pieles. El no uso de las sombras es característico también al no considerarlo una realidad que se deba plasmar en la obra, así como ese detalle de marcar los contornos de lo pintado de forma oscura.
También la obra Cuentos bárbaros nos sirvió para entender la llegada del hombre civilizado a esas tierras consideradas como paradisíacas y sus intenciones de dominarlas, gracias al personaje de la izquierda que se muestra con unos ropajes diferentes al no estar desnudo como el resto, y su rostro de deseo al contemplar a las mujeres.
Finalmente, realicé una lectura de las cartas que el artista P. Cézanne escribió a varios amigos, en las cuales defiende los ideales pictóricos de los postimpresionistas, entre los cuales se encuentran los anteriormente citados.
Resaltar la gran influencia que reciben estos artistas del arte oriental, el cual entienden como ideal.
Gracias por leerme y nos vemos en el próximo post.
Hoy os traigo una reflexión que he decidido hacer tras la lectura del 1er capítulo de la obra Teoría del arte escrita por José Jiménez, de la editorial Tecnos (Grupo Anaya S.A.).
Se trata de dar respuesta a una cuestión que desde el siglo pasado se hace cada vez más difícil de contestar, pero cuya respuesta considero mucho más simple de lo que se llega a pensar.
A continuación os dejo la reflexión, ¡hasta el próximo post!
''Arte es todo lo que los
hombres llaman arte'', así se titula el primer capítulo de esta
obra de José Jiménez, una frase de Dino Formaggio, que cualquiera
que la lea por primera vez podría catalogarla de fácil por ser una
respuesta para salir airoso y sin muchos problemas de reflexión de
la pregunta que constantemente repite José Jiménez a sus lectores:
¿qué es el arte?
Así la encontré yo tras mi
primer enfrentamiento a esa afirmación que, al mismo tiempo que
rotunda, caía por su propio peso, sin dejar mucho que debatir, pero
seguía sin darme una respuesta para la eterna pregunta. Pensé que
tras este capítulo, seguiría dejando en el aire esa respuesta, pero
finalmente, aunque fuera un poco así, logré comprender a qué
agarrarse a la hora de catalogar algo como arte. Y sí, ahora yo
también usaría esa frase para responder a la eterna pregunta y
quedarme satisfecho mentalmente.
Y es que son numerosos los
ejemplos artísticos que presenta cronológicamente José Jiménez,
junto a sus controversias por lo novedosos que supusieron para su
época.
Nunca me había preguntado por
la causa de la fama de la obra de Leonardo da Vinci La Gioconda,
pues analizándola artísticamente, numerosas obras de su época no
tienen nada que envidiarle a la pintura por antonomasia en la que se
ha convertido.
Ese crecimiento tecnológico que
permitió el comienzo de la transmisión infinita de una obra de arte
entre la sociedad, supuso un cambio histórico en la forma de ver el
arte. Y es que, como bien indica José Jiménez, se consiguió perder
ese respeto y halo de obra inalcanzable, ya no solo por una obra
considerada intocable hasta su robo, sino por el poder intervenir en
la creación de arte, antes pensado y reservado solo para artistas
considerados de renombre y que seguían las reglas clásicas.
El movimiento dadaísta es un
claro ejemplo de la pérdida de la que podemos llamar vergüenza para
dar un paso adelante y romper con las fronteras establecidas desde
tiempos inmemoriables, además de humanizar las obras históricamente
vistas como únicas.
¿Por qué Leonardo da Vinci
pudo representar a una mujer posando y ser considerado una obra
maestra, mientras que Duchamp cogiendo esa misma obra y simplemente
añadiéndola un bigote, perilla y unas iniciales ya no se le
considera esa hazaña?
El problema que se encuentra en
este punto es que parece que todo tendría cabida en lo llamado arte,
un concepto abstracto al fin y al cabo, y por tanto del que pienso
que la consideración de pertenecer a él también sería algo
abstracto, algo de lo que dependería la mente de cada ser que lo
observe, oiga o disfrute.
Curiosos son los casos de las
exposiciones que empiezan a expandirse por el mundo, usando cuerpos
reales, carne, huesos, vidas acabadas pero de cuyo fin en el mundo
sería debatible, pues continúan transmitiendo valores a la
humanidad.
Hablo del doctor Gunther von
Hagens y sus exposiciones de cadáveres humanos mediante la
''plastinación'', o las controversias creadas por Hirst y sus frases
filosóficas junto a animales muertos y diseccionados.
Todo esto una persona de a pie
lo vería como una locura, y nunca lo catalogaría de arte si
simplemente se lo contaran, pero que irónico supone que simplemente
al verlo expuesto en una galería de arte nadie se cuestione su
''arte'', nunca mejor dicho. Simplemente por estar situado en un
lugar que contiene en su entrada la palabra mágica: arte.
Es por ello que comparto la idea
de José, de Duchamp o de Manzoni, pues arte es todo aquello que cada
uno considere una obra de provecho, y eso depende de la visión de
cada uno.
Por tanto, para concluir,
cualquier persona es libre de no considerar arte un urinario
personalizado como Fuente por Duchamp, pero de igual modo,
aunque se vea como una utopía, considero que será igual de válido
que alguien no considere una obra de arte La Gioconda, si de
tal modo no entra entre sus criterios artísticos. Ángel Eslava Sánchez.
Este blog ha sido creado con la finalidad de compartir todas las actividades relacionadas con el arte contemporáneo que realice durante este primer cuatrimestre del curso 2015/16.
He decidido bautizarlo con este nombre para reflejar la idea con la que quiero desarrollar este espacio, siendo así un reflejo del mundo infinito del arte en un pequeño blog online.
Aquí siempre encontraréis un rincón que os anime a descubrir estos movimientos estéticos descritos de una forma alternativa a lo habitual.
Sois totalmente libres de compartir vuestras opiniones sobre este ámbito en este pequeño espacio de la red.
